domingo, 29 de marzo de 2009

* Rory Gallagher

Rory Gallagher (2 de marzo de 1948 - 14 de junio de 1995) fue un músico irlandés de blues, rhythm and blues y rock. Nació en Ballyshannon, en el condado irlandés de Donegal, pero se crió y creció en Cork. Es habitualmente presentado como uno de los más influyentes músicos irlandeses y guitarrista de blues de todos los tiempos.
Con 9 años consigue su primera guitarra. Oye en la radio blues y folk, enloquece con el primitivo y excitante rock’roll y el skiffle. Son de skiffle sus primeros grupos, con 11 años. A los 12 la primera guitarra eléctrica y a los 15, su primer grupo serio, la orquestina Fontana Show Band, (luego The Impact) con los que recorre España, Inglaterra, Alemania....ya profesional, compra la Fender Stratocaster del 61 con la que posa en 1000 fotos y portadas. Siempre fué fiel a ésa venerable guitarra de fabuloso sonido. También usó la Telecaster (amaba el sonido claro y vibrante de Fender) y alguna Gibson
La salud de Gallagher empeoraba y su capacidad creativa también, a raíz de un consumo excesivo de alcohol y la combinación de éste con fármacos que le habían prescrito para superar su miedo a volar. Desde finales de la década de los 1980, fue agravando sus problemas de salud, sin embargo, continuó de gira. El 10 de enero de 1995, en los Países Bajos, salió a escena visiblemente enfermo por lo que meses más tarde fue necesario trasplantarle el hígado. La operación fue un éxito, pero en el postoperatorio y pocos días antes de ser dado de alta, una infección (SAMR) acabó con su vida en Londres el 14 de junio de 1995. Gallagher nunca se casó y no tenía hijos.


sábado, 14 de marzo de 2009

* Andrés Segovia

Nació en Linares, Jaén, España, el 18 de febrero de 189. Andrés Segovia fue un guitarrista clásico español que está considerado como el padre del movimiento moderno de la guitarra clásica.Junto a Narciso Yepes, fue el principal responsable de la consolidación de la guitarra como instrumento de concierto, a un nivel comparable al que ocupan el violín y el piano, al menos en cuanto a la calidad de las piezas. Guitarrista a pesar de la oposición de su familia, que pretendía que estudiara un instrumento de más prestigio, dio su primer recital en Granada en 1909. Muchos estudiosos creen que, sin los esfuerzos de Segovia, la guitarra clásica seguiría estando considerada como un instrumento de campesinos, válida para los bares pero no para las salas de concierto. Empezó a tocar la guitarra a los cuatro años y realizó su primera aparición pública en Granada a los 16. Unos pocos años más tarde ofreció su primer concierto en Madrid, interpretando transcripciones a la guitarra de Francisco Tárrega y algunas piezas de Johann Sebastian Bach que él mismo había transcrito. Aunque su familia intentó desanimarle, Segovia continuó con sus estudios de guitarra durante toda su vida. Fueron muchos los músicos que creyeron que la guitarra de Segovia no sería aceptada por la comunidad clásica ya que, según sus creencias, la guitarra no se podía considerar como un instrumento capaz de interpretar a los clásicos. Sin embargo, la técnica de Andrés Segovia asombró al público. A partir de entonces, la guitarra dejó de considerarse solamente un instrumento popular y se aceptó también como instrumento de concierto. A la vez que progresaba en su carrera y tocaba para audiencias mayores, Segovia descubrió que las guitarras existentes no producían el volumen suficiente como para tocar en grandes salas de conciertos. Esto le animó a buscar entre los avances tecnológicos para intentar mejorar la amplificación natural de la guitarra. Trabajando conjuntamente con los fabricantes, ayudó a diseñar lo que conocemos hoy en día como guitarra clásica, realizada con una madera de más calidad y con cuerda de nylon. La forma de la guitarra se modificó también para mejorar la acústica. Esta nueva guitarra era capaz de producir notas más bajas que las que hasta entonces se utilizaban en España y en otras partes del mundo. Tras realizar una gira por América en 1928, compositores como el brasileño Heitor Villa-Lobos empezaron a componer piezas especialmente para él, así mismo el compositor mexicano Manuel M. Ponce realizó una copiosa producción de obras para la guitarra sola y orquesta dedicadas a éste insigne guitarrista. Segovia transcribió también múltiples piezas clásicas y resucitó algunas de las transcripciones de Tárrega. Entre los discípulos de Segovia se encuentra guitarristas como John Williams, Alirio Díaz, Ben Bolt o Christopher Parkening. Andrés Segovia murió en Madrid el 3 de junio de 1987 a causa de un ataque al corazón a la edad de 94 años.




viernes, 13 de marzo de 2009

* Cacho Tirao

Cacho Tirao (nombre artístico de Oscar Emilio Tirao) nació en Berazategui, Provincia de Buenos Aires, el 5 de abril de 1941 - Buenos Aires, y murió el 30 de mayo de 2007
Fue un guitarrista y compositor de música fundamentalmente folclórica argentina.
Aprendió a tocar la guitarra a los cuatro años de edad y al año siguiente fue premiado en su primera presentación radial.
Integró el célebre Quinteto de Ástor Piazzolla de 1968 a 1971. Trabajó con Osvaldo Tarantino, Dino Saluzzi y Rodolfo Mederos y acompañó a Joséphine Baker.
Se destacó como solista virtuoso, componiendo e interpretando tango, milonga, zamba, chacarera y otros diversos géneros musicales. Entre sus particulares composiciones se destacan "La Milonga de Don Taco" que compuso en memoria de su padre, "La milonga del niño deseado" dedicada a su nieto y la excelente bossa nova titulada "Sonveri", grabada para CBS en 1980 en el álbum "Selección Especial de Cacho Tirao".
Grabó 36 discos, el primero como solista en 1971 "Mi guitarra, tú y yo"; y el último en 2006, "Renacer", tras recuperarse de una hemiplejía sufrida a raíz de un accidente cerebrovascular.
Su obra más célebre es el concierto para guitarra y orquesta sinfónica "Conciertango Buenos Aires", estrenado en Bélgica en 1985.
Alcanzó altos niveles de popularidad en la década de 1970, cuando conducía el ciclo Televisivo "Recitales Espectaculares", al punto que una de sus grabaciones en 1978 vendió más de un millón de placas.



* Vicente Amigo

Vicente Amigo nació en 1967.
Guitarrista flamenco nacido en Guadalcanal (Sevilla, España) y criado en Córdoba. Empezó en el flamenco trabajando con artistas como Juan Muñoz (El Tomate), Merengue de Córdoba o Manolo Sanlúcar. Colaboró en el disco de Camarón de la Isla "Soy Gitano" de 1989. Compuso e interpretó a la guitarra el disco de José Mercé "Del Amanecer...".
Obtuvo el premio de guitarra de concierto en el Concurso Nacional de Córdoba en 1989. Con sus trabajos en solitario ha obtenido diversos reconocimientos, como el galardón flamenco de los 'Premios de la música'.
La música de Vicente Amigo, siempre inspirada en la poesía andaluza, autores tales como Rafael Alberti, o Federico García Lorca, junto a su manera de captar todo el sabor mediterráneo oriental del sur de España, es lo de mejor que en guitarra flamenca se produce. No es de extrañar que su éxito haya sido rotundo, sus colaboraciones dentro y fuera del flamenco, unido a su capacidad de composición exquisita y excepcional, hacen de Vicente Amigo un artista completísimo y de un carácter en sus melodías que imprime calma y arrebato en una perfecta armonía.



* José Fernández torres "Tomatito"

José Fernández Torres, "Tomatito", nació en Almería en 1958, en el barrio de Pescadería. Su familia, vinculada a Almería desde bastantes generaciones, posee una larga tradición musical, sobre todo en lo que al toque de la guitarra se refiere. Ya su abuelo Miguel Fernández Cortés era habitual en las fiestas privadas de principios de siglo y muy conocido entre los jóvenes aficionados a las rondas nocturnas, que en nuestra capital eran tradicionales, por hacer dúo con su hermano Antonio Fernández Cortés, que tocaba la bandurria.
Su padre José Fernández Castro era aficionado a la guitarra en la intimidad de su hogar y tocaba el clarinete en la Banda de Música de Almería. Hermanos de éste, y por tanto, tíos de Tomatito son Antonio, que tocaba la bandurria en su juventud y que ha desarrollado su carrera como guitarrista en Francia, tocando para tan grandes artistas como Paco Isidro, y “El Niño Miguel”, virtuoso de corte clásico que ha desarrollado su carrera en Huelva, donde reside en la actualidad.
José crece en un entorno íntimamente relacionado con la música y especialmente con el flamenco. Sus primeros acordes los aprende de su padre y de su abuelo, mostrando desde pequeño una gran intuición musical y una habilidad casi innata.
Su debut como guitarrista de acompañamiento no se hace esperar. Lo presenta José Sorroche en la peña “El Taranto” con sólo 10 años de edad. Este recital, donde se presenta como Pepín Fernández, fue ampliamente cubierto por la prensa local, como si el caprichoso destino quisiera que este personaje gozara de cierta notoriedad ya desde su primera intervención pública. A partir de este momento, su relación con dicha peña es estrecha, y es reclamado para acompañar a muchos de los cantaores que ésta contrata.
En 1970, su padre, “El Tomate”, en 1970 se ve obligado a trasladarse con toda la familia a Málaga, donde trabaja tocando el clarinete en distintas orquestas de esta ciudad. Allí entabla conversaciones para que su hijo trabaje en el local de La Cañeta ubicado en Marbella, y Tomatito asiste diariamente a este tablao acompañado por su padre.
Posteriormente es contratado en la Taberna Gitana incorporándose al cuadro flamenco del local Bailaban la Kika, y Pepito Vargas, entre otros, y tocaba la guitarra Pedro Escalona. Además de acompañar al baile, Tomatito hacía un sólo que generalmente era “Entre dos aguas” de Paco de Lucía. Completaba su formación en esta época con Pedro Blanco y Enrique Naranjo. Esta etapa, que duró 3 años, es esencial en su carrera ya que, con espectadores de excepción como Pansequito, Lebrijano, Paco de Lucía y el propio Camarón de la Isla (figuras señeras que conformaban su máxima referencia), acompaña a cantaores de reconocido prestigio. A Paco de Lucía lo conoció un día que apareció acompañado de Los Marismeños en la caseta que la Taberna Gitana montaba en la feria de Málaga. Camarón, que entonces trabajaba en el Torrebermejas, viajaba a Málaga con asiduidad. Cuando José contaba con 15 años, Camarón de la Isla se encontró sin guitarrista en un festival que tenía lugar en Málaga; alguien expuso la idea de llamar “a ese chaval de la Taberna Gitana que tocaba bien las cosas de Paco”, a lo que Camarón accedió. Éste sería el primer encuentro que Tomatito tendría con José Monge Cruz, en una relación profesional que duró 18 años, hasta la trágica desaparición del genial cantaor.
A partir de ese momento, Camarón lo empieza a llamar esporádicamente, cuando Paco Cepero, entonces su guitarrista habitual, tenía otros compromisos profesionales. Algunas de estas actuaciones tuvieron lugar en Salamanca, Valencia, Festival de Alhaurín de la Torre, etcAbandona la Taberna Gitana para ir a Madrid con Pansequito, permaneciendo con éste durante 5 meses. Ésta es la primera y única Navidad que José pasa fuera de su casa. Esa noche estuvieron en Los Canasteros, disfrutando de una actuación de la Susi.
En su trayectoria con Camarón, Tomatito ha alternado los multitudinarios recitales con éste por España y el extranjero con actuaciones en peñas y festivales, acompañando a grandes figuras del flamenco como Enrique Morente, la Susi, Vicente Soto ‘Sordera’, Pansequito, José de la Mercé, Chano Lobato, Terremoto de Jerez, Antonio Mairena, Juanito Villar, Rancapino y un largo etcétera.
# En el certamen "El Giraldillo del Toque de la III Bienal de Arte Flamenco de la Ciudad de Sevilla" en 1984, con Juan Villar al cante y Farruco al baile.
# Las efectuadas en Madrid durante los festivales de la Cumbre Flamenca en el Teatro Alcalá Palace en 1985.
# En el V Festival de Jazz de Madrid en 1986 con la orquesta Ray Barretto.
# En el Festival de Verano de la Villa del Ayuntamiento de Madrid en 1991.
# Y en Teatro Lope de Vega de Sevilla, con Parrita al cante.



* Steve Vai

Nacido el 6 de junio de 1960 en Long Island, Nueva York (cumplió seis años el sexto día del sexto mes de 1966, como así comentó en la introducción de su libro de transcripciones de Frank Zappa).
A los 12 años, Steve es atraído por el instrumento que luego iba a ser su profesión: la guitarra. Esto hace que empiece a tomar clases, con Joe Satriani quien tenia 16 años. Es aquí donde empieza la carrera de Vai como guitarrista.
Steve Vai conquistó el reconocimiento general trabajando para el legendario músico, productor y compositor Frank Zappa. Al principio Vai solo le hacia las transcripciones de sus partes de guitarra. Cumplido sus veinte años Frank le pidió a Vai que se uniera a la banda. Cuenta una anécdota que Steve le dijo: "Frank, yo quiero ser como tú“, a lo que Zappa respondió: “Imposible, eres demasiado joven para ser pelado".
A principios de los años 1980 abandonó la banda de Zappa y grabó su primer disco como solista, "Flex-Able", y reemplazó a Yngwie J. Malmsteen como guitarra solista en Alcatrazz, aunque él mismo admitió más tarde no poder reemplazarle. Poco tiempo después saca su segundo disco solista "Flex-Able Leftovers" con temas grabados durante la preparación de su primer disco pero finalmente no incluidos. Entonces se unió al antiguo front-man de Van Halen, David Lee Roth para grabar dos álbumes, "Eat them and smile" y "Skyscraper", además de una versión en español del primero titulada "Sonrisa salvaje". En 1986 saltó a la pantalla grande apareciendo en el legendario duelo final de la película Crossroads (Cruce de caminos o Encrucijada) del director Walter Hill donde hizo el papel del guitarrista del diablo llamado Jack Butler enfrentadose a un joven guitarrista virtuoso de la escuela de Julliard en un duelo guitarristico Ralph Macchio (famoso por su papel en Karate Kid). En esta película Vai interactúa interpretando su parte con Ry Cooder que interpreta la parte de Ralph Macchio, y William Kanengiser interpretando las partes de guitarra clásica, incluyendo "Eugene's Trick Bag" compuesta por William Kanengiser la primera mitad de los arpegios y la segunda mitad el mismo Vai, basándose en el Capricho No. 5 de Paganini, el duelo de crossroads fue interpretado en conciertos en vivo junto a Mike Keneally
Posteriormente tocó para Whitesnake y el mítico cantante David Coverdale en el álbum "Slip of the tongue" y en 1990 grabó su tercer álbum "Passion and Warfare" obteniendo la atención mundial en su carrera como solista. Por estas fechas gana un Grammy por su participación en el disco tributo a Zappa "Zappa's Universe", por su solo en "Sofa", siendo criticado por varios músicos otorgándole el reconocimiento a Mike Keneally, por su participación en ese disco.
En 1991 participa junto a Joe Satriani entre otros en el concierto Leyendas de la Guitarra organizado con motivo de la celebración de la Exposición Universal de Sevilla 1992 (Expo´92).
En 1993 aparece el álbum titulado "Sex & Religion", con una formación nueva, Devin Townsend (voz), Terry Bozzio (batería) y T.M.Stevesns (bajo). Deja de lado el estilo solista con una dinámica más de banda. Se trata de un disco mayoritariamente vocal, y en parte polémico por el contenido de sus letras, en las que se refiere al sexo y a la religión.
En el año 1995 Steve graba un álbum titulado "Alien Love Secrets", del cual, posteriormente presenta una versión en DVD con los vídeos de las canciones que componen este álbum. El disco se compone de siete temas instrumentales, y fue grabado en 6 semanas.
En Septiembre de 1996 se edita "Fire Garden". Encarnando una nueva banda y estilo. Un extenso disco de 18 temas, tratándose la primera mitad de temas instrumentales y la segunda incorporando canciones cantadas, y afianzándose Steve en su faceta de cantante.
También en(1996) participa en la gira llamada G3 junto a Joe Satriani (el organizador) y Eric Johnson, donde le acompaña Keneally en los teclados y guitarra. Se graba un disco en vivo del mismo nombre. "Steve Vai"
Llegando a mitad del año 1999, aparece el disco "The Ultra Zone", en gran parte instrumental, con cinco temas cantados. Se trata de un disco compuesto de trece temas bastante variados.
En el año 2000 Steve Vai graba su primer disco en vivo, "Alive in an ultra World", presentando canciones que caracterizan los países que el visitó en la gira de "The Ultra Zone".
Un segundo disco G3 con el virtuoso de la guitarra Yngwie J. Malmsteen se graba en el 2003.
Más adelante, en el 2004, Steve Vai lanza su segundo disco en vivo, "Live In Astoria: London", donde selecciona grabaciones de sus actuaciones en el Astoria en Londres, recopilándolas en este disco. Realizó una vez más con Joe Satriani, una gira convirtiéndose en G4, teniendo en esta oportunidad como invitados al legendario Robert Fripp y al chileno Alejandro Silva.
Su álbum editado en 2005 se titula "Real Illusions: Reflections" y para presentarlo realizó una gira mundial con músicos de gran categoría, como Tony Macalpine (guitarra y teclados), Billy Sheehan (bajo), Jeremy Colson (batería y percusión) y Dave Weiner (guitarra eléctrica y acústica), en ese mismo año participa en un nuevo G3 al lado de Satriani y John Petrucci.
En 2006 participa en un tour homenaje a Frank Zappa, organizado por el hijo de este último, Dweezil.
En 2007 graba el álbum doble "Sound Theories Vol. I & II".
Vai junto a la marca de guitarras Ibanez crea en 1986 la serie JEM, diseñando también la primera guitarra de siete cuerdas llamada Ibanez Universe UV77MC. También junto a Ibanez se desarrollaron las primeras y únicas guitarras de tres mástiles, denominadas JEM Tripleneck. La utilización en vivo de este tipo de guitarras (en el G3 del 2003) marca la pauta del nivel que ha alcanzado Steve. En el 2000 junto a Carvin crea según sus especificaciones su propia serie de amplificadores llamada Legacy.



* Joe Satriani

Joe Satriani nació el 15 de julio de 1956 en Westbury, New York.
Joe "Satch" Satriani es un guitarrista instrumental de rock y ha recibido 13 nominaciones a los Premios Grammy y ha vendido más de 10 millones de discos en todo el mundo.
Satriani está considerado por muchos expertos como uno de los guitarristas más técnicos del rock. Según éstos ha conseguido dominar casi todas las técnicas de ejecución de su instrumento, incluyendo tapping a dos manos, sweep picking, volume swells, tap harmonics, etc. Además es reconocido como un gran profesor de guitarraSe decidió por la guitarra tras escuchar a Jimi Hendrix. Durante los años 1970 Satriani se mudó a Berkeley, California persiguiendo una carrera como músico. Fue inspirado por músicos como Allan Holdsworth y Lennie Tristano. Cuando su amigo y antiguo alumno Steve Vai alcanzó la fama tocando con David Lee Roth en 1986, Vai alabó a Satriani en multitud de entrevistas a revistas de guitarra.
Su segundo álbum editado en 1987 y llamado "Surfing with the alien" se considera como el mejor álbum de guitarra instrumental del rock, conteniendo temas como "Always with me, always with you" o "Midnight", según la encuesta anual de lectores de la revista estadounidense Guitar Player.
En 1989, la canción de Satriani "One Big Rush" (originalmente lanzada como "Flying in a Blue Dream") fue incluida en la banda sonora de Say Anything. En 1994, Satriani ingresa en Deep Purple sustituyendo a Ritchie Blackmore durante la gira de la banda.
En 1992 Satriani publica su álbum "The Extremist", con un éxito increíble, muy cerca de su disco Surfing with the Alien, con influencias bastantes metaleras. Sus canciones "Summer Song", "War", "Why" y "Cryin'" son las más famosas de este disco.
En 1996, Satriani forma el G3, una gira de conciertos de tres guitarristas instrumentales de rock -- originalmente Satriani, Steve Vai, y Eric Johnson.
En 1998 aparece el álbum "Crystal Planet", con el que sorprende a la audiencia al aparecer un Joe totalmente rapado, pero con el mismo sonido característico, con canciones como "House Full of Bullets", "Ceremony", "Raspberry Jam Delta-V", entre otras.
Satriani es criticado habitualmente por la "esterilidad" de su música. Al momento de crear es muy variado y utiliza todo lo que sabe con tal de expresar lo que quiere. Este adjetivo es causado por su música sencilla, donde muchos encuentran clichés en exceso y pocos cambios armónicos. La aparente perfección de su técnica como guitarrista hace que a veces sea descrita como robótica. Por otro lado sus defensores argumentan el hecho de que muy pocos guitarristas pueden alcanzar esta técnica y profundizar con éxito en los más simples estilos como el blues y el rock and roll, en comparación con otros virtuosos contemporáneos, como Yngwie Malmsteen, Paul Gilbert o John Petrucci.
Satriani ha creado la serie de guitarras Ibanez JS, el amplificador Peavey JSX y el pedal de distorsión Satchurator de la linea Vox.
En abril del 2008 Satriani publica su álbum "Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock", con el que inicia una gira mundial, por Europa, Australia, Sudamerica, México, y próximamente en Canada y E.U., el cual consiste en una recopilación de sus diversos estilos dentro de sus demás álbumes.
En diciembre de 2008, Satriani demanda a la agrupación británica Coldplay por plagio de su tema "If I could fly" dentro de la canción "Viva la Vida" de la banda británica



* John Mclaughlin

John McLaughlin nació el 4 de enero de 1942, y es un guitarrista de jazz extremadamente habilidoso nacido en Yorkshire, Inglaterra.
Ganó fama con el grupo de Miles Davis a finales de la década de 1960, junto a otros interpretes como Chick Corea y Tony Williams, y posteriormente con Mahavishnu Orchestra.Se trasladó a los Estados Unidos en 1969 para unirse al grupo de Tony Williams, Lifetime. Posteriormente tocó con Miles Davis en sus discos In A Silent Way, Bitches Brew, y A Tribute to Jack Johnson.
A principios de los 80 se unió al guitarrista flamenco Paco de Lucía y Al Di Meola formando el Guitar Trio. El Trio se reunió nuevamente en 1996 para una segunda sesión de grabación y una gira mundial.
Hay guitarristas de rock. Hay guitarristas de jazz. Hay guitarristas de jazz-rock progresivo. Y hay también guitarristas que experimentan con sonidos étnicos de diversas latitudes del planeta. Lo raro es encontrar todos estos guitarristas en uno solo. Pero existe, y se llama John McLaughlin. Desde principios de los años ’60, este notable músico británico no para de expandir las fronteras de la guitarra, creando un universo de sonidos a su paso. Tocó con Alexis Korner, con Graham Bond, con el gran Miles Davis, y también con otros destacados colegas de las seis cuerdas, como Carlos Santana, Al Di Meola y Paco de Lucía, entre otros. Creo bandas pioneras de la fusión progresiva, como la Mahavishnu Orchestra y también fue un iniciador de encuentro de oriente y occidente con Shakti, que fundó junto al violinista L. Shankar. Esta es una visión –a vuelo de pájaro- de su extensa y rica carrera.



* Jeff Healey

Norman Jeffrey Healey,más conocido como "Jeff Healey", fue un cantautor, compositor y guitarrista de jazz, blues y rock canadiense, nacido en Toronto EL 25 de marzo de 1966. Perdió la visión cuando sólo tenía un año de vida a causa de un cáncer de retina y Contra este cáncer luchó toda su vida hasta que, finalmente, falleció en un hospital de su ciudad natal a causa de otro cáncer, esta vez de pulmón, a la edad de 41 años, el 2 de marzo de 2008.
Tras obtener su primera guitarra, comenzó a emular a sus héroes del blues, tales como, John Lee Hooker, Muddy Waters y Eric Clapton, y creó un estilo propio. Apoyada sobre su regazo, mientras que su mano derecha pulsaba las cuerdas, la izquierda recorría una y otra vez el mástil, casi al estilo de una pedal steel guitar. Hizo sus primeras presentaciones en público a los seis, y alternó bandas y estilos hasta formar su propio trío, 11 años después. Desde los 14 seleccionaba música de su colección de casi 25 mil discos de pasta en la Canadian Broadcasting Corporation. Para Healey, la influencia del pop y el jazz de principios del siglo XX fue esencial en su formación. A los 17 años fundó un grupo, "Blue Direction", junto con el bajista Jeremy Litller, el baterista Graydon Chapamn y el guitarrista Rob Quail, compañero de estudios. En una de las visitas de Albert Collins a Toronto, se le abrieron las puertas del Albert Hall de la ciudad para tocar como su invitado, experiencia que repetiría con Stevie Ray Vaughan y B.B. King.
Sus jams en la Taberna Grossman, en su ciudad, fueron la antesala del lanzamiento discográfico de su Jeff Healey Band, con su primer álbum "See The Light", que fue editado en 1988 por Arista, con John Rockman y Tom Stephem, en bajo y batería, respectivamente. El LP incluía una versión del clásico de ZZ Top "Blue Jeans Blues".
Seguidamente participó en la película Road House (El duro) en 1989, protagonizada por Patrick Swayze, en la que compuso la banda sonora y actuó en las escenas musicales del Pub donde transcurre el film.
Con Hell to Pay, de 1990, su éxito creció aún más. Mark Knopfler, Bobby Whitlock y George Harrison entre sus invitados, y una excelente versión de While my Guitar Gently Weeps, de Los Beatles. Tres años más tarde, Feel This fue el predecesor de Cover to Cover, una mirada propia sobre temas de Led Zepellin, Rolling Stones, Beatles y Cream, entre otros. Una colaboración en la banda sonora de Un hombre entre sombras y dos recopilaciones antecedieron a Get Me Some, editado en el año 2000. A partir de entonces, Healey dedicó su tiempo a grabar tres CD de jazz tradicional de las décadas del '20 y '30, junto a sus Jazz Wizards, con quienes tocaba en su bar Jeff Healey's Roadhouse, en Toronto. En las presentaciones, solía cambiar la guitarra por la trompeta y el clarinete. Colaboró con Ian Gillan, apareció junto a Stevie Ray Vaughan en un video de Look at Little Sister y condujo dos programas de jazz en una radio. Esposo de Cristie y papá de Rachel y Derek, Healey dejó un nuevo CD, Mess of Blues, a punto de ser lanzado a la venta. En la programación de su Roadhouse, aún se anuncian sus futuros shows.



viernes, 6 de marzo de 2009

* Luis Salinas

Luis Salinas es un guitarrista y compositor nacido el 24 de junio de 1957, en Monte Grande, al sur de Buenos Aires, Argentina.
La influencia de su padre y de su padrastro, ambos músicos, lo animaron a tocar la guitarra desde muy pequeño, “el gusto por tocar todos los géneros viene de ahí”, explicó. Pese a haber comprado su primera guitarra a los 27 años, esta pasión venía desde la cuna. El lugar que marcaría un antes y un después en su carrera fue “El papagayo”, célebre pub, donde tocó durante ocho años. Es un músico autodidacta, el cual no estudió en ningún conservatorio, gran improvisador, de original capacidad interpretativa. Compartió experiencias con varios grandes del folklore y del tango, como Adolfo Ábalos y Horacio Salgán. También tocó con Egle Martin, Jaime Torres y grabó un disco de tango con María Graña. Lleva grabados nueve discos, entre ellos, “Música Argentina 1 y 2” donde tocando la guitarra criolla hizo un recorrido por el folklore y el tango, “Ahí va”,por el que recibió su segundo premio Gardel, en el cual vuelve al sonido eléctrico del latín jazz."Luis Salinas y amigos en España", se grabó en 2004 en Barcelona junto a músicos de la calidad de Tomatito, Horacio Fumero, Oscar Giunta, Javier Colina, Jorge Bonell, Jorge Pardo y Perico Sambeat entre otros. En mayo de 2006 presentó su cd doble, "Muchas cosas".Durante su carrera tocó con grandes guitarristas como el mismísimo B.B. King y músicos de la talla de Hermeto Pascoal.



jueves, 5 de marzo de 2009

* Miguel Llobet

Miguel Llobet Solés nació el 18 de octubre, 1878 y murió 22 de febrero, 1938) guitarrista y compositor, nacido en Barcelona (España). Su temprana muerte es probablemente una de las causas de que se le conozca relativamente poco actualmente. Su contemporáneo y pupilo, Andrés Segovia, llegó a ser mucho más famoso. A Llobet se le reconoce como un gran virtuoso de la guitarra; realizó numerosas giras de conciertos por Europa y América. Recientemente su música empieza a volver a tenerse en consideración y se han publicado varios CD de su obras, como, por ejemplo, por Stefano Grondona y Lorenzo Micheli.
Los detalles de la vida de Llobet son confusos y contradictorios. Miguel Llobet nació en 1878 en Barcelona. Era hijo de un escultor ebanista y estudió arte, demostrando talento como pintor. Pintó durante toda su vida. Su primera formación musical fue con el violín y el piano. Más tarde recibió una guitarra como regalo de un tío suyo. En 1889, Llobet asistió a un recital de guitarra de Antonio Jiménez Manjón (1866-1919) en Barcelona, y esto le hizo que buscara enseñanza para aprender la guitarra, lo que hizo con Magín Alegre.
En octubre de 1892, Llobet conoció al insigne Francisco Tárrega y tocó la guitarra ante él. Dos años más tarde comenzó a estudiar con él en el Conservatorio Musical Municipal de Barcelona. Según lo que él mismo contaba, sus estudios con Tárrega parecían no estar basados en ninguna metodología concreta, sino que más bien se fijaba en cómo tocaba Tárrega y luego experimentaba en casa su técnica. "Così, più che impararla, io sperimentavo la mia técnica sull chitarra". ("De esta manera, mas que aprenderla, experimentaba mi técnica con la guitarra")(Tonazzi 1996, 13-14).
Comenzó a dar conciertos privados en reuniones íntimas en 1898. En 1900, conoció a Concepción Jacoby, la protectora de Tárrega, que se convirtió a su vez en su protectora y le ayudó a lanzar su carrera internacional. El primer concierto público de Llobet tuvo lugar en 1901 en el Conservatorio de Valencia. Durante ese mismo año, también tocó en los conservatorios de Sevilla y Málaga y, en este último, le concedieron el título de Professor Honoris Causa. También tocó en el Teatro de la Comedia de Madrid en 1902 y ante la familia Real española en 1903.
El primer concierto de Llobet fuera de España fue en París en 1904, presentado por Ricardo Viñes, el notable pianista e intérprete de las obras de piano de Claude Debussy. Ésta fue la primera ocasión en que entró en contacto con la vanguardia artística francesa. París le acogió muy bien, ya que retornó para vivir allí durante 1905 dando conciertos en lugares prestigiosos como la Schola Cantorum de París, La Trompette y la Société Nationale de Musique. Según Ronald Purcell (Llobet 1989, 1: iii), vivió en París hasta 1910. Según el esbozo biográfico de Bruno Tonazzi (Tonazzi 1966, 12), Llobet volvió a Paris en 1910.
Según lo que sugiere Purcell, lo más probable es que Llobet se trasladara a vivir temporalmente a Buenos Aires en 1910. Estando allí tocó por toda Sudamérica, Centroamérica y el Caribe. Esta serie de giras las organizaron Domingo Prat, autor del Diccionario de Guitarristas (1933), Juan Anido (cuya hija, María Luisa Anido, sería más tarde alumna de Llobet y reonocida guitarrista a su vez) y Ruiz Romero de la editora Romero y Fernández. En 1912, Llobet realizó sus primeros conciertos en Estados Unidos, actuando en Boston, Filadelfia y Nueva York. Después volvió a París. Los años siguiente siguió dando conciertos en Europa y en particular en Bélgica y Holanda.
Durante 1913 y 1914, Llobet tocó por toda Alemania. Según Purcell, "Al estallido de la Primera Guerra Mundial, Llobet volvió a Buenos Aires," y continuó haciendo viajes por las Américas (Llobet 1989, 1: iv). Esto está en contradicción con la afirmación de Tonazzi de que "Allo scoppio della prima guerra mondiale torna in patria..." ("Al estallido de la Primera Guerra Mundial volvió a su patria...") (Tonazzi 1966, 12). El itinerario de los conciertos de Llobet de esa época parece haber estado dominado por actuaciones en las Américas, lo que parece confirmar la afirmación de Purcell. De todas maneras, hay que señalar que Purcell sugiere que Llobet estuvo en España hacia 1915, donde enseñó a su pupilo más importante, Andrés Segovia. La relación de Andrés Segovia como pupilo de Llobet es un tema de discusión en el mundo de la guitarra. La autobiografía de Segovia, escrita para el gran consumo en la cima de su carrera, le pinta como autodidacta. Menciona su búsqueda de consejos de Llobet durante un corto espacio de tiempo, pero Segovia es bastante claro sobre la ausencia de una influencia real de Llobet en su manera de tocar. Aunque a la edad de 22 años Segovia era mucho más que un neófito, era todavía suficientemente joven para continuar aprendiendo. De hecho, Purcell señala que "Segovia, cuyo estilo de actuación y técnica muestran los principios de Tárrega, recibió una influencia básica de Llobet... Esta influencia en el estilo se puede escuchar cuando se comparan las grabaciones de Llobet en Parlophone Electric (Chanterelle Historical Recordings CHR 001) con las grabaciones de Segovia en Angel, ZB 3896" (Llobet 1989, 1: ii).
Purcell indica además que a la edad de 22 años, Segovia tuvo lo que consideraba el único contacto directo con Tárrega, Llobet, en cuanto al refinamiento de su técnica y especialmente en cuanto a la música que tanto Tárrega como Llobet habían escrito y transcrito para guitarra..."(ibid.). La precisión de esta fecha (Segovia tendría 22 años en 1915) parece cuestionable. Una fotografía del entierro de Tárrega en 1915, muestra claramente a Segovia al pie del féretro, pero Llobet no aparece en la foto, y probablemente habría estado presente si hubiese estado en España en esa época. Puede ser que fuese dos años más tarde cuando Segovia estuvo trabajando con Llobet.
Se sabe que Llobet hizo al menos una prueba de grabación entre 1912 y 1917. Entre 1912 y 1914 hizo una gira por la Costa Este de Estados, y otra en 1917. El guitarrista Vahdah Olcott-Bickford, que vivía en Nueva York entre 1912 y 1923, escribió que "hizo una prueba de grabación en el laboratorio Bell en New Brunswick, Nueva Jersey, pero no quedó satisfecho del sonido" (Purcell 1993, 5). Esto no da peso a ninguna de las dos hipótesis sobre su residencia durante la guerra mundial, pero si sugiere un interés temprano en la grabación.
Hasta que no aparezcan más datos sobre la residencia de Llobet durante la guerra, se puede tomar como hipótesis que residió en Buenos Aires durante esos años. Se sabe que fue en esta ciudad, en 1923, cuando comenzó a a enseñar a María Luisa Anido (1907-1997). Maria Luisa Anido era la hija de Juan Anido, uno de los protectores que le habían facilitado sus primeros conciertos en Sudamérica. En 1925, Llobet realizaba dúos con María Luisa Anido y, según Purcell, hacia 1930 "grabaron algunos de los arreglos para dúos para la casa Odeon-Parlophone distribuida por Decca Records. Estas grabaciones siguieron a la serie de solos grabados por Llobet en la serie Parlophon/Electric en Barcelona" (Llobet 1989, 1: iv). Estas fueron las primeras grabaciones eléctroacústicas de guitarra clásica.
Estas grabaciones se han reproducido en CD, pero la breve historia de la grabación en el texto de acompañamiento (Purcell 1993) no ayuda a saber mucho sobre la historia de las grabaciones de Llobet. Las grabaciones en solo, por ejemplo, se supone que fueron realizadas hacia 1925, pero proceden de dos fuentes diferentes: la grabación de Argentina/Odeon y la anterior de Barcelona/Parlophon. Incluso escuchándolas sin atención se aprecia la diferencia en la tecnología de grabación, lo que hace difícil aceptar que se hicieran el mismo año. En respuesta a una pregunta Purcell indicó que "A Llobet no le importaban los resultados de la grabación acústica (para fonógrafo o gramófono) de 1915 y solo grababa electrónicamente (con micrófono y amplificador).... Sus grabaciones fueron realizadas en 1925 y, más tarde, con María Luisa Anido" (Purcell 2001).
En 1920-1921, Llobet tocó en España y realizo una gira por toda Alemania, tocando en Múnich, Leipzig, Dresden, Colonia y Stutgart. En 1924 volvió a hacer una gira por Alemania y Austria, y realizó conciertos en las Américas en 1925. Volvió de nuevo a las Américas en 1930 para tocar en el Spanish Arts Festival, bajo los auspicios de la Librería del Congreso de los Estados Unidos. El violinista Antonio Bossa le recomendó y le contrataron para tocar seis solos, y para adaptar y tocar las Siete Canciones Españoles de Manuel de Falla con la soprano Nina Kochitz.
Llobet realizo otra nueva gira por Europa en 1930-1931, tocando en Londres, Berlín, Hamburgo, Munich, Viena, Budapest y Bolonia entre otros lugares.
De 1932 a 1934, Llobet enseñó al joven vituoso cubano José Rey de la Torre en su casa de Barcelona. Parece que no dio muchos conciertos en esa época, pero mantuvo sus contactos artísticos. Rey de la Torre dice, "Cuando yo llegué a Barcelona en 1932, Llobet se había prácticamente retirado de los escenarios. Durante los tres años que estuve allí, salió de la ciudad solamente una vez para una gira de un mes por Escandinavia" (Rey de la Torre 1985, 24).
Parece que Llobet tuvo un retiro de la escena como recogido, encontrándose con algunos artistas influyentes en su gran piso de la Via Layetana No. 46 en Barcelona. Se sabe que Manuel de Falla le visitaba siempre que iba a Barcelona y también eran frecuentes las visitas de Emilio Pujol. Rey de la Torre, su pupilo, pudo ser el más asiduo visitante y escribió que "Llobet no tenía muchas visitas..." (ibid). Parece que sí iba frecuentemente a conciertos, al Palau, situado cerca de su casa.
Llobet murió de una pleuresía en Barcelona el 22 de febrero de 1938 durante el sitio de Barcelona en la Guerra Civil Española.
Su obra completa fue publicada por el Profesor Ron Purcell en Chanterelle Verlag.
Sus dicípulos mas destacados son

* Julio Martínez Oyanguren

Compositor musical y guitarrista uruguayo nacido en Durazno en el año 1901 y fallecido en el año 1973. Comenzó sus estudios con el Profesor Alfredo Hargain, su único maestro. Su primer concierto lo dio a los once años. En 1918, le concedieron una beca para estudiar guitarra en España, pero no la aceptó por razones particulares. En 1929 se presentó en el Solís de Montevideo, prestigiado por la Asociación Coral de Montevideo. Luego viajó a Buenos Aires, donde se grabó su primera audición. En 1934 dio su primer concierto en el Town Hall de Nueva York.
Presisamente en Estados Unidos tuvo mucha repercución por ser el primer intérprete en dar un concierto por televisión para el mundo. En 1936 actuaría para el presidente Franklin Roosvelt.
Actuó con la orquesta Filarmónica de Nueva York en el Lewishon Stadium bajo la dirección del Maestro F. Weissmann y durante algunos años, fué profesor de la Escuela de Música de Nueva York.
En 1941 regresó a Uruguay realizando una exitosa gira por su país, por Argentina y Brasil.
Gracias a su intervención, por primera vez se pudo ejecutar en Estados Unidos el famoso cuarteto que Shubert escribió para guitarra, flauta, viola, y violoncelo. Fue artista exclusivo de la R.C.A. Victor y de la National Broadcasting Company (NBC). A su regreso de Estados Unidos en 1942, fundó en Durazno una coral:"Amigos de la Música", que lleva su nombre.
Entre sus alumnos se destacan los hermanos cubanos Rolando y Alberto Valdés profesores de las principales academias Neoyorkinas.
Composiciones: "Preludio en fuga y do mayor" (1963); "Nocturnal Incaico" (1960); una canción de cuna con letra de Juana de Ibarbourou; "Fantasía Gitana" (1954); "Fantasía Andaluza"; "Fantasía Española"; "Fantasía Gaucha" (obra extensa inspirada en la novela de Justino Zavala Muniz "Crónica de la reja"); "Oriente" (Preludio, Danza y Leyenda del Desierto); "Ave María" (1964); "Evocación a la madre", "Preludio triste" y una serie de obras folklóricas.

* Abel Fleury

Fleury nació en Dolores, provincia de Buenos Aires, el 5 de abril de 1903. Provenía de una familia trabajadora; su madre, Juana Peón, planchadora, y Francisco el padre, hombre "de mil oficios" se ganaba la vida como panadero. A los 11 años le brotó la vocación musical; al pasar por la peluquería del pueblo sintió el sonido de una guitarra paisana que se le prendió al recuerdo para toda la vida.
Desde ese instante le insistió a su madre para que le comprara una guitarrita. Y ella le dio las primeras lecciones, pasándole los tonos de un estilo y una milonga
Desde ese momento, hasta el fin de sus días las seis cuerdas se convirtieron en una pasión desvelada. Más tarde fue consolidando conocimientos en contacto con músicos populares de Dolores y otros intuitivos que pasaban por allí. Con el tiempo el destacado músico argentino Honorio Sicardi le dio lecciones de armonía. A los 20 años abandonó su pueblo y también se le despertaron las ansias de andar caminos. Residió alternativamente en Mar del Plata, Tres Arroyos, Tandil, La Plata, Buenos Aires, dando conciertos y lecciones a numeroso alumnado
En 1933 se radicó en Buenos Aires, dándose a conocer por todo el país gracias a la generosidad de Fernando Ochoa que lo hizo participar en sus audiciones radiales. En ese momento comenzó múltiples y variadas actividades realizadas en corto tiempo Con su guitarra misteriosa ofre~ ció conciertos individuales por todo el país, en los rincones más insólitos. Además de hacer los fondos musicales de los poemas que recitaba Ochoa, creó y dirigió los famosos escuadrones de guitarras, constituidas por entre 12 y 15 intérpretes.
Luego participó en los fines de fiesta" de las obras teatrales de Claudio Martínez Paiva: "Joven, viuda y estanciera" y "Ya tiene comisario el pueblo", participando junto a las primeras figuras de la escena nacional como Eva Franco, los actores Santiago' Arrieta, Marcos Kaplan, Pedro Tocci, Malvina Pastorino, Tita Merello, y otros.
Por corto tiempo formó el Cuarteto Popular Argentino con Sebastián Piana (piano), Pedro Maffia (bandoneón) y Angel Corletto (contrabajo). Sus giras internacionales comenzaron en 1948; primero actuó en Chile, luego Uruguay y Brasil, país éste que recorrió en casi toda su extensión penetrando incluso en la selva del Matto Grosso. Finalmente Europa: España, parte de Francia y Bélgica, Portugal.
Fleury fue uno de los primeros difusores de la música latinoamericana en el continente europeo, interpretando autores nacionales como Adolfo Luna, Pedro Herrera, Gómez Crespo, Tremsal, Juan de Dios Filiberto, Joaquín López Flores, los paraguayos Agustín Barrios, Félix Pérez Cardozo, Pablo Escobar, los uruguayos Eduardo Favini, Rubén Menéndez, Isaias Savio, Martínez Oyanguren. Héctor G. Costa, los brasileños Alberto Scupinari, Villa Lobos, Dilermando Reis, Lorenzo Fernández, el boliviano Eduardo Caba y Antonio Lauro de Venezuela. En su repertorio también incluía autores clásicos: Bach, Mozart, Haendel, Sor, Tárrega, Schubert.
Fleury fue un constante caminador, con su instrumento, por los senderos del país y el mundo. Realizó sus conciertos en el exterior por medios propios sin ningún tipo de ayuda oficial. Recorrió parte de Europa en los años 52 y 53, dejando un gran recuerdo en todos los lugares que visitó, dando un gran ejemplo de humildad y talento.
En España el gran musicólogo y crítico de arte español Eduardo López Chavarri, sostuvo: "Su concierto fue una magnífica lección de estilo. Sugerencias maravillosas nacían de su encordado que en sus manos vuelve a ser el instrumento misterioso que apenas desde el gran Tárrega nos es dado oír" (diario "Las Provincias", 12/2/53). Este músico bonaerense no fue un folclorista, sino un artista de formación clásica, sin embargo con su talento supo traducir fielmente el espíritu de la pampa húmeda y darle trascendencia universal a través de sus melodías. Por ello en los años 30, cuando nos visitó el gran poeta español Federico García Lorca, en una reunión donde también se encontraba Ochoa, oyó interpretar al guitarrista temas de su repertorio. Cuando terminó, el lírico español lo estrechó en un abrazo y le dijo:"¡Chico,tú no perteneces a América sino al Mundo!". Esa trascendencia universal se reflejó en hechos insólitos: "Estilo Pampeano" una de sus obras cumbre figura desde hace más de treinta años como composición obligatoria en la Escuela Musical de Tomsk, Siberia, Rusia. El autor nunca estuvo en ese país.
Poetas de gran nivel como los uruguayos Yamandú Rodriguez y Víctor Lima le brindaron sus mejores versos. Yamandú afirmó en una glosa: "Abel Fleury no es un guitarrista más, es la guitarra toda,, por donde se aroma el alma de la patria". Pedro Boloqui de Chascomús también le dedicó sentidas décirnas, lo mismo que el tucumano Emilio Rubio. A ellos se suma el cantor y payador oriental López Terra, y el cantor y compositor santiagueño Rodolfo Ovejero. El pringlense Lorenzo Girola -fallecido hace pocos años?, cuando murió el músico dolorense, compuso el triste "Adiós a Fleury", para guitarra solista, una página muy sentida. últimamente Argentino Luna lo evoca en su milonga "Patrón del Clavijero".
El 9 de agosto de 1958, a los 55 años de edad, este gran sensitivo partió de la vida. Y en forma asombrosa el arte de Fleury sigue conquistando nuevos y lejanos horizontes. Su música sigue sonando más allá del olvido y la indiferencia, latiendo eternidades.



* Eduardo Falú

Guitarrista, compositor e intérprete salteño de fama mundial. Es autor, junto a Jaime Dávalos, de algunas de las composiciones más bellas de la música popular argentina.
Nació el 7 de julio de 1923 en El Galpón, provincia de Salta en la República Argentina. El Galpón es un pequeño pueblo, un antiguo lugar de carreteras hacia la provincia del Chaco, en el que Falú permaneció muy brevemente. Hijo de Juan Falú y Fada Falú, ambos sirios de igual apellido pero no parientes.
Atraído por esa curiosa sinfonía, a los 11 años ya tenía entre sus manos una guitarra, propiedad de su hermano mayor, Alfredo. Alfredo tomaba clases con un profesor y Eduardo lo copiaba al pie de la letra, y así, sacó sus primeros tonos.
A los catorce años se muda con su familia de Metán a Salta donde la guitarra lo termina de conquistar para siempre. En Salta conoce a Arturo Dávalos y poco después a Jaime Dávalos, autor de innumerables poemas a los que Falú le pone música.
Se casa con doña Aída Nefer Fidélibus, a quien, cariñosamente, llama Nefer. La vida les da dos hijos: Eduardo y Juan José. Juan José, al igual que su padre, siente una gran afición por la guitarra y el canto.
De estatura sobresaliente, ojos verdes, tristones, inundados de esa nostalgia de árabe acriollado en una tierra que aprendió a amar, casi más que a sí mismo. De esa mirada que fluctúa entre la interrogación y el asombro, se desprende bondad y mansedumbre, y tal vez un dejo de altivez sin desafío, que deja al descubierto un alma verdaderamente límpida, frontal, sincera.
Ya en Buenos Aires, conoce a un gran luthier, Francisco Estrada Gómez, buscador y creador de nuevas formas para lograr más volumen de sonido. La primera guitarra de doble fondo que él ideó y construyó, fue para Falú.
Eduardo Falú es un artista multifacético, aclamado de forma internacional, imposible de encasillar dentro de una sola idea. Es un refinado guitarrista, cantante consumado y un distinguido compositor. La calidad de su barítona voz, es admirada y amada en el mundo entero. Escucharlo, eleva y purifica.
La trayectoria artística de Eduardo Falú comieza en el ambiente familiar, más tarde se extiende a Buenos Aires, capital de la República Argentina, para luego conquistar y apasionar a los públicos más disímiles: América, Europa, Rusia, y Japón.
Como compositor, no sólo es el creador de obras modernas folclóricas, sino también de obras clásicas.
En su música se advierte una marcada influencia de las melodías de su provincial natal. Salta tiene ritmos propios: El Carnavalito, el Bailecito, la Cueca y algunos otros derivados de la combinación de la música india propia del lugar, y las melodías españolas que acompañaron a los conquistadores.
Eduardo Falú ha creado música para más de un centenar de poemas, no sólo de Jorge Luis Borges y Jaime Dávalos, sino también de León Benarós, Manuel Castilla, Alberico Mansilla entre muchos otros.



* Juanjo Domínguez

Juanjo Domínguez es un guitarrista argentino nacido en la ciudad de Junín en la provincia de Buenos Aires, el 23 de octubre de 1951. Su repertorio es mayormente de música popular.
A los cinco años tuvo su primer contacto con el instrumento; su padre lo inscribió en la Academia Oliva de Lanús. A los doce años se recibió como profesor de guitarra, solfeo y teoría. Gracias a un beca pudo estudiar en el Conservatorio Julián Aguirre de Lomas de Zamora bajo la tutela de María Angélica Funes (discípula de María Luisa Anido). Cuando Juanjo tenía quince años dejó sus estudios clásicos y se decantó por la guitarra popular. Empezó a acompañar cantantes de tango de esa época (Alberto Morán, Alberto Echagüe, Podestá, Ernesto Laborde). Además tocaba con un trío melódico llamado Los Antonios, el cual interpretaba valses peruanos y boleros, acompañando al cantante Bienvenido Carlo. También tuvo el privilegio de desempeñarse musicalmente junto a María Graña, Ada Falcón, el Chango Nieto, María Marta Serra Lima, Horacio Guaraní, Mario Manzanero y Roberto "El Polaco" Goyeneche. Sobre sus dotes interpretativos, declara la maestra María Luisa Anido: "Es indudable que se trata de un guitarrista fuera de serie y que confirma el juicio que emitiera el gran Berlioz al decir que la guitarra es una orquesta en miniatura, ya que Juanjo Domínguez logra sorprendentes efectos orquestales con sus escalas de trémolos dobles de vertiginoso vuelo musical y logra que se recuerde siempre el mencionado juicio de Berlioz".
Juanjo es un verdadero virtuoso de la guitarra. Sus escalas dobles, sus trémolos en tres cuerdas (inventados por él mismo cuando al estudiar "Recuerdos de la Alhambra" del maestro Tárrega le parecía que efectuando el trémolo en una sola cuerda se limitaba el sonido), su velocidad comparable con la de un instrumento de arco y su alto nivel de improvisación lo convierten en un guitarrista único. Declara haber tomado su inspiración del célebre homólogo paraguayo Agustín Pío Barrios Mangoré. Este era también un notable improvisador (como todos los grandes músicos de la antigüedad) y fue un "molde" para la construcción de su técnica.
Ha grabado cientotreinta compactos acompañando cantantes de diversas nacionalidades y veinticuatro discos como solista yendo desde el jazz hasta la música argentina (tangos, milongas, zambas y valses criollos). Confiesa haber terminado con su paso por los estudios discográficos como solista. En conclusión, como dijo Lalo Schifrin: "Quien hable de guitarras y de talento no debe omitir a Juanjo Domínguez".



* Celedonio Romero


Celedonio Romero nace en Cienfuego, Cuba,el 21 de marzo de 1913 y muere en San Diego, California, Estados Unidos 8 de mayo de 1996. fue un guitarrista, compositor y poeta español conocido mundialmente por ser el fundador del cuarteto "Los Romeros".
Estudió guitarra clásica en el Conservatorio de Málaga y en el Conservatorio de Madrid, donde recibió clases del compositor sevillano Joaquín Turina. Debutó en concierto a los 22 años. En 1957 emigró a los Estados Unidos con toda su familia. Se asentaron en el sur de California y Celedonio junto a sus tres hijos (Ángel Romero, Pepe Romero y Celín Romero), fundó un cuarteto de guitarra llamado Los Romeros. Durante años dieron conciertos con gran éxito de público y grabaron numerosos discos versionando a músicos barrocos como Antonio Vivaldi, lo que les valió gran celébridad en Estados Unidos y en todo el mundo.
En su faceta de compositor escribió más de cien piezas para guitarra, incluyendo una docena de conciertos.
Murió en San Diego (California) a los 83 años de edad. El cuarteto que él fundó sigue activo. Su puesto fue ocupado por su nieto Lito Romero, hijo de Ángel Romero.
Romero fue galardonado con la Orden de Isabel la Católica por el rey Juan Carlos I de España. También fue nombrado Caballero del Santo Sepulcro por el Papa Juan Pablo II.



* Serafín Arriaza


Nace en Sevilla y, teniendo como tradición musical la de su padre, finaliza sus estudios superiores en el Conservatorio Superior de Música “Manuel Castillo”, de su ciudad natal, con las más altas calificaciones y con el Premio Extraordinario Fin de Carrera.
Ha recibido clases de los maestros: Alberto Ponce, David Russell, José Mª Gallardo, Roberto Aussel, Álvaro Pierri, entre otros. Se ha perfeccionado recibiendo clases magistrales de Dª América Martínez y Joaquín Clerch.
Ha sido galardonado tanto en concursos nacionales como internacionales, obteniendo 21 premios. Cabrían destacar entre otros: I° Premio del “I Concurso Nacional de Guitarra América Martínez”, I° Premio del “Concurso Internacional Mª Luisa Anido de Cagliari” (Italia), I° Premio del “Concurso Internacional Andrés Segovia de Linares”, IIIº Premio del “I Concurso Internacional de Guitarra Joaquín Rodrigo”, etc.
Asimismo, recibe otros galardones y elogios de diversas organizaciones musicales por sus actuaciones, destacando entre otros: “Insignia de honor del Teatro Ateneo de Sevilla”.
Ofrece giras en diversas ciudades de Francia, Reino Unido, Italia, Portugal, Japón, Hungría, Polonia y Slovenia así como innumerables conciertos dentro de nuestras fronteras.
Así mismo ha participado en el Festival Internacional de Przemyslu “Ghitaralia 98” (Polonia), 25th Festival Internacional “J. K. Mertz” (Bratislava), Festival Internacional de Primavera “Andrés Segovia” (Madrid), XIII Festival Internacional de Guitarra de Vélez-Málaga, Festival Internacional de la Guitarra de Córdoba (2006). Realiza conciertos en el Instituto Cervantes de París y Lisboa.
Teniendo 19 años hizo su debut con la Orquesta “Manuel Castillo”, bajo la dirección de Juan Luis Pérez, dentro del Circuito Andaluz de Música. Igualmente, ha actuado como solista con las orquestas Sinfónica Provincial de Málaga, Sinfónica de Córdoba y la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla.
Dentro de su intensa actividad concertística realiza grabaciones para Radio Clásica de RNE, Canal Sur Radio, Cadena Ser, Radio Nacional Polaca y Radio “Bartok” (Hungría).
Publica su primer CD “Romance Español”, con una selección de transcripciones y obras originales para guitarra de música española. Como músico de cámara forma parte, desde 1999, del Dúo Savya, junto a la violinista Yolanda Aragón.
En 2004 es nombrado Director Artístico del prestigioso Concurso Internacional de Guitarra “Alhambra” de Valencia.

* Marcelo Cinalli

Nació en La Plata, Argentina, en 1961.
Inició sus estudios de guitarra con Ernesto Bouvier, asistiendo posteriormente a seminarios de destacados maestros internacionales, como Abel Carlevaro, Eduardo Castañera ,Alfonso Moreno y Hopkinson Smith, perfeccionándose finalmente con el maestro Eduardo Fernández.
Estudió armonía, contrapunto y morfología con Leonidas Arnedo, composición con Pedro Aguilar y música renacentista con Eduardo Sohns.
En 1980 fue socio fundador de la Sociedad de Integración Guitarrística Argentina (S.I.G.A.)
En 1983 fue seleccionado por la filial argentina de Juventudes Musicales para integrar el plantel de intérpretes de dicha institución.
Ha desarrollado una intensa actividad como concertista en numerosos centros culturales del país, así como en radio y televisión. Ha grabado un CD con obras de Bach, Bakfark y Buxtehude. A partir de sus estudios con la eutonista Ruth Nejter desarrolló un novedoso sistema de aprendizaje de la guitarra, basado en esa técnica corporal.
Ha realizado transcripciones de música para laúd y vihuela, entre las que se destaca la del "Manuscrito 1517" de Vincenzo Capirola, que contiene la obra completa de dicho compositor y la "Antología" de Antonio Casteliono (1536).
Junto a la actriz Mónica Maffía presentó el espectáculo "España atraves de los siglos" (poesia y música española del siglo XIV al XIX), que obtuviera el auspicio del Fondo Nacional de las Artes. Se ha presentado en recitales de musica de cámara junto a la flautista Mariana Cabal y las mezzo-sopranos Ana Larreategui y Beatriz Costa.
Sus datos han sido incluidos recientemente en el libro "Apreciación histórica de la guitarra clásica", del concertista, pedagogo e investigador Enrique Millan Gómez, publicado en Colombia.

* Eric Clapton

Eric Patrick Clapton Shaw Nació en Ripley, Surrey, Inglaterra, 30 de marzo de 1945 y es un guitarrista, cantante y compositor de rock y blues, conocido por su maestría con la guitarra eléctrica, en específico con su Stratocaster. Es conocido por el apodo de "Slowhand" (Mano lenta),desde su época en The Yardbirds. Clapton es miembro del Salón de la Fama del Rock por partida triple; por ser miembro de The Yardbirs, de Cream y por su carrera en solitario. A la vista de muchos críticos Clapton ha sido uno de los artistas más respetados e influyentes de todos los tiempos.Además, aparece en el puesto número 4 de la lista "Los 100 grandes guitarristas de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone y en el puesto número 53 de su especial "Inmortales: Los 100 grandes artistas de todos los teimpos".
Eric Clapton nació hijo de la pareja formada por Patricia Molly Clapton (7 de enero de 1929 - marzo de 1999), de 16 años, y Edward Walter Fryer (21 de marzo de 1920 - 1985), un piloto militar de Montreal, Quebec, Canadá de 24 años que por aquél entonces no estaban casados. Su padre se encontraba destinado en el Reino Unido durante la Segunda Guerra Mundial y antes de que Eric naciera, regresó a Canadá junto a su esposa. El niño creció con su abuela, Rose, y su segundo marido Jack creyendo que eran sus padres, y que su madre era su hermana mayor. El apellido de sus abuelos era Clapp, de ahí la confusión en cuanto a su apellido, ya que Clapton es el apellido del primer esposo de su abuela Rose y abuelo materno de Eric (Reginald Cecil Clapton). Años después, su madre se casó con otro soldado canadiense (Frank MacDonald) y se mudó a Canadá, dejando a Eric a cargo de sus abuelos. Cuando Clapton contaba con 9 años de edad, averiguó la verdad cuando su madre y su hermanastro Brian regresaron a Inglaterra de visita. Esto supuso un punto de inflexión en su vida, haciéndole distanciarse de su familia y no aplicarse en el colegio. Su hermanastro, Brian, murió en un accidente de moto en 1974 a los 26 años. Clapton tiene otras dos hermanastras del segundo matrimonio de su madre; Cheryl (nacida en mayo de 1953) y Heather (nacida en septiembre de 1958).
Clapton creció siendo un niño callado, solitario, y en sus propias palabras, "un niño malo". Aun así Clapton es conocido por su sentido del humor. Eric se crió en un entorno musical, donde su abuela tocaba el piano y, tanto su tío como su madre, disfrutaban escuchando las Big Bands de la época. Su madre le contó en una ocasión al biógrafo oficial de Eric, Ray Coleman, que su padre era un músico de mucho talento, y que tocó en varias bandas de la zona de Surrey. Eric consiguió su primera guitarra a los 13 años, una guitarra acústica de la marca alemana Hoyer recibida por su cumpleaños, encontrándolo muy difícil y casi dándose por vencido. Aún a pesar de su frustración inicial, dedicó muchas horas a aprenderse los acordes y a emular la música de los artistas de blues que escuchaba en su magnetófono de casete.
Después de abandonar el colegio en 1961, Clapton estudió en Kingston College of Art, del que fue expulsado por no progresar lo suficiente en el resto de las áreas del arte, centrándose únicamente en la música. Por esta época Clapton comenzó a frecuentar la zona de Kingston en Richmond (Londres). A los 17 años se unió a su primera banda "The Roosters." Permaneció en este grupo de enero a agosto de 1963. En octubre de ese mismo año tocó en siete conciertos con Casey Jones and the Engineers.Antes de dedicarse de lleno al mundo de la música Clapton se ganaba la vida trabajando de obrero junto a su abuelo.
En octubre de 1963 Keith Relf (que estudiaba con Clapton)[15] y Paul Samwell-Smith, reclutaron a Clapton para el grupo de rock con influencias de blues, The Yardbirds. Hasta la entrada de Clapton, el grupo estaba formado por Keith Relf (voces), Paul Samwell-Smith (bajo), Chris Dreja (guitarra rítmica), Jim McCarty (batería) y Anthony "Top" Topham (guitarra principal), siendo Clapton el sustituto de Topham.
The Yardbirds, ya sin Clapton, en Langueux, Francia en 2006. De izquierda a derecha: John Idan, Jim McCarty, Chris Dreja.
Durante su periodo de 18 meses con The Yardbirds, Clapton se ganó su apodo de "slowhand" (mano lenta).Sintetizando sus influencias de guitarristas de blues como Buddy Guy, Freddie King y B. B. King, Clapton se convirtió en uno de los guitarristas más populares de la escena musical británica. La banda comenzó a formarse un buen nombre, sobre todo después de ganar la vacante dejada por The Rolling Stones en el Crawdaddy Club en Richmond, Londres. Hicieron una gira con Sonny Boy Williamson II; del cuál saldría el álbum Sonny Boy Williamson and The Yardbirds (grabado el 8 de diciembre de 1963) y editado en 1965. En el álbum de 1964, Five Live Yardbirds, recrean versiones de R&B y blues americano, con largas improvisaciones y solos de guitarra, quedando clara la imaginación y confianza en sí mismo de Clapton.
Sin embargo, el grupo paulatinamente fue acercándose al estilo pop, para intentar entrar en las listas de venta, cosa que consiguieron con "For your love", que llegó al #2 en el Reino Unido y al #6 en Estados Unidos. Esta canción fue escrita por el compositor Graham Gouldman, que había escrito hits para el grupo adolescente Herman's Hermits y el grupo de pop The Hollies. Pero Clapton seguía fuertemente comprometido con el blues, por lo que renegaba del nuevo rumbo pop de The Yardbirds. Así que decidió dejar la banda y recomendó a Jimmy Page como su sustituto, quién se negó por lo bien que le iban las cosas como músico de sesión. Así que, al final no se unió al grupo y, él mismo recomendó que Jeff Beck, que por aquél entonces tocaba en una banda llamada The Tridents, fuera el sustituto de Clapton. De todas maneras, Page se uniría posteriormente al grupo, primero tocando el bajo y después asumiendo junto a Beck el papel de guitarrista. Clapton, Beck y Page, llegaron a tocar juntos en una mini-gira en beneficio de la esclerosis múltiple y en el álbum Guitar Boogie.
Así podríamos hablar horas de la carrera de este gran guitarrista.
Clapton visitó por primera vez Estados Unidos con Cream. Fueron a Nueva York en marzo de 1967 para tocar nueve noches en el teatro RKO. Después, en mayo de ese mismo año, regresarían a Nueva York para grabar su álbum Disraeli Gears. El repertorio de la banda evolucionó de canciones comerciales como "I Feel Free" a largas "jams instrumentales" de blues como "Spoonfull". Estos temas mostraban la guitarra punzante de Clapton, mezclado con la potente voz y vibrante bajo de Jack Bruce, mientras la potente, polirítmica batería con influencias de jazz de Ginger Baker aseguraban a Cream como un power trio.
En 28 meses, Cream se había convertido en un éxito comercial, vendiendo millones de álbumes y tocando por toda Europa y Estados Unidos. Ellos redefinieron el papel instrumental dentro del rock, siendo de las primeras bandas en enfatizar el virtuosismo musical y las improvisaciones de corte jazzístico. Sus sencillos de éxito en los Estados Unidos incluyen "Sunshine of Your Love" (#5, 1968), "White Room" (#6, 1968) y "Crossroads" (#28, 1969) - versión en directo de la canción de Robert Johnson "Cross Road Blues." Aunque Cream fue uno de las grandes bandas de su época, y la adulación para con Clapton era constante, el supergrupo estaba destinado a tener una vida corta. Las legendarias diferencias entre Bruce y Baker y la creciente tensión entre los tres miembros de la banda finalmente acabarían con el grupo.
El álbum de despedida de Cream, Goodbye, incluía actuaciones en directo en "The Forum", Los Ángeles, California, grabadas el 19 de octubre de 1968, y fue comercializado poco después de que Cream se separara. El álbum contaba también con el sencillo "Badge", co-escrita con George Harrison, a quién Clapton conoció en un concierto en el que The Yardbirds compartieron cartel con The Beatles en el London Palladium. Esta amistad se tradujo en la colaboración de Clapton en el tema "While My Guitar Gently Weeps" del White Album de The Beatles. Ese mismo año salió el debut en solitario de Harrison Wonderwall Music, que sería el primero de un largo número de álbumes de Harrison en contar con Clapton en la guitarra, aunque por motivos legales no apareciera en los créditos. Además, tocaban frecuentemente juntos como invitados el uno del otro. El 29 de noviembre de 2002, un año después de la muerte de Harrison, Clapton ayudó a organizar el tributo "Concert for George" como director musical.
Desde su ruptura en 1968, Cream se ha reunido en varias ocasiones. En 1993 en una ceremonia para ingresar en el Salón de la Fama del Rock y en 2005, una reunión para tocar cuatro noches en el Royal Albert Hall de Londres y tres noches en el Madison Square Garden de Nueva York. La grabación de sus conciertos en el Royal Albert Hall salieron a la venta a finales de 2005 bajo el título Royal Albert Hall.



* Carlo Domeniconi

Nacido en 1947 en Cosena, Italia. Comenzó los estudios de guitarra a la edad de 13 años con Carmen Lenzi Mozzani. Una vez finalizados sus estudios en el Conservatorio de Pesaro se dirige a Berlín, donde consigue su segundo diploma bajo la dirección de Erich Bürger. Además estudia composición escribiendo gran cantidad de piezas para la guitarra, en parte ya editadas, en parte aún inéditas y presentes como manuscritos. Junto a sus obras camerísticas con la guitarra ha escrito cinco conciertos para guitarra y orquesta. Carlo Domeniconi se desempeñó durante más de 18 años en la Escuela Superior de Arte de Berlín, con un paréntesis que va de 1977 a 1980, cuando se encargó de la cátedra de guitarra en el Conservatorio de Estambul. Entre sus numerosos trabajos, podemos citar: Sindbad (Zyklus I/II/III), Suite Caratteristica, To play or not to play, Klangbilder, Hommage à Jimi Hendrix, 3 studies for the spirit (para solo de guitarra); Naturgeister, Sonata in tre movimenti, Prana, Circus Music (para dúo de guitarras); Sonatina mexicana, Sonata op. 37 (para guitarra y flauta); Sieben imaginationen (para violoncello y guitarra) y quizá su obra más popular sea su Suite Op. 19 Koyunbaba.



* Alirio Diaz

Alirio Diaz nace el 12 de noviembre de 1923 en Caserío La Candelaria, cerca de Carora, Venezuela. Un tío suyo le enseña la guitarra a oído y a la edad de 10 años ya interpretaba aires venezonalos dentro el círculo musical. En 1945 viaja a Caracas, donde realiza sus altos estudios musicales con la guitarra. Para poder pagar sus estudios Diaz trabajaba en sus horas libres en bandas militares y orquestas de danzas. Después de su graduación dió su primer recital donde la crítica lo aclamó como un digno sucesor de Segovia. Su éxito en sus subsecuentes recitales permitieron a que en 1950 el Ministerio de Educación le conceda una beca para perfeccionar sus estudios musicales en Europa. Después de asistir por cuatro años los cursos dictados por el Maestro Andrés Segovia en la Academia Musical de Chigi, recibe la distinción de ser nombrado Profesor Asistente. Posteriormente se dedica a dar conciertos consagrándose entre los grandes ejecutantes del instrumento, llevando su arte a grandes salas de concierto en España, Italia, Francia y Venezuela.

* Jorge Morel

La carrera musical de Jorge Morel comienza en su tierra natal Argentina, donde su padre le enseña las primeras nociones de la guitarra clásica a una edad de 7 años. Procede con estudios avanzados en la reconocida Academia del Profesor Pablo Escobar en Buenos Aires. Una vez graduado acompañó al Sr. Escobar en radio y conciertos en vivo. Morel deja Argentina para dar conciertos en Ecuador, Colombia y Cuba; donde graba su primer LP. Vladimir Bobri, presidente de la Sociedad de Guitarra Clásica de Nueva York, le brinda su reconocimiento y ayuda después de escuchar sus ejecuciones en Puerto Rico, lo cual permite contratos para conciertos en California y Hawaii, al igual que su eventual debut en el Carnegie Hall. Para esta época, Morel ya había grabado su segundo LP para la Firma Discográfica Decca y subsecuentemente grabó tres álbumes más. Después de trasladarse a Nueva York, Morel tocaba en las noches música de jazz en el Village Gate, con leyendas del jazz como Erroll Garner, Dizzy Gillespie, Stan Kenton y Herbie Mann. Por entonces, Morel conoce a Chet Atkis, quien posteriormente le ayudaría a que grabe 6 nuevos álbumes con la Firma Discográfica RCA Victor. Durante la década de los setenta, Morel dió giras por todo Canada y los Estados Unidos ofreciendo alrededor de 70 conciertos por año. Morel continuó ganando reputación como eximio artista y compositor con la premier de la "Suite del Sur", un concierto para guitarra y orquesta, el cual ejecutó como solista con la Filarmónica de Los Angeles, bajo la dirección de Zubin Mehta. Continuó sus estudios de composición por varios años con Rudy Schramm. Morel ha compuesto más de 60 obras originales. Entre sus obras más recientes se incluyen un Concierto para Guitarra y Orquesta, Romántico y Allegro Ritmo, Francesca's Waltz y dos dúos titulados Una Estampa Brasilera y Rapsodia para Dos Hermanos.

* Kazuhito Yamashita

Este guitarrista, mito en la interpretación de guitarra, nace el 25 de marzo en la ciudad japonesa de Nagasaki. Empieza su instrucción de guitarra con su padre, Toru Yamashita, a la edad de 8 años. Posteriormente estudió con Narciso Yepes; en 1977 tomó clases con J. Thomas y Andrés Segovia. A la edad de 13 años fascinó a la audiencia japonesa con sus primeros recitales en Nagasaki, Shikoku y Tokyo. En 1976 gana el concurso nacional organizado por la Federación Japonesa de Guitarra. Al año siguiente, a la edad de 16 años, se convierte en el guitarrista más joven que obtuvo el primer lugar en tres importantes certámenes: el Concurso Ramírez en España, el Concurso Internacional de Allesandría en Italia y el Concurso Internacional de Guitarra en París. En 1979 hace su debut conla Filarmónica de Tokyo, proseguido por una gira de conciertos en ciudades japonesas y su debut en París. En los años posteriores realiza varios conciertos por Europa y Estados Unidos, además de una serie de grabaciones que provocan gran interes e impresionan a los críticos de guitarra. En 1981 se lanza su propio arreglo de "Cuadros de una Exposición" de Mussorgsky que fue catalogado como "Legendario" por Ferguson en Guitar Player. Yamashita se ha constituido en uno de los mayores exponentes del instrumento mundialmente. Sus arreglos de grandes obras orquestales han llevado a la guitarra a otra dimensión que ningún guitarrista había explorado con anterioridad. La dificultad técnica de los arreglos de obras como la Novena Sinfonía de Dvorak "Sinfonía del Nuevo Mundo", "Scheherazade" de Rimsky-Korsakov, EL Pájaro de Fuego" de Stravinsky o sus arreglos de arias de óperas famosas de Mozart, son una muestra de su virtuosismo como intérprete. Pese a que Yamashita es el único guitarrista que produce arreglos para guitarra de grandes obras orquestales, su repertorio abarca todos los estilos y épocas y se refleja en el mérito de ser el guitarrista que más grabaciones ha realizado, llegando al increible número de cien. También ha dado varios conciertos y realizado grabaciones a dúo con su su hermana Naoko Yamashita, que también es una connotada guitarrista.

* Henrique Pinto

Estudió armonía, análisis e interpretación con Guido Santórsola y el arte de la guitarra inicialmente con Sergio Scarpiello, continuando con Manuel Sao Marcos, Isaís Savio y Antonio Carlos Barbosa Lima en el Brasil. Posteriormente continuó con José Thomás en España y Abel Carlevaro en Uruguay. Su trabajo como maestro ha sido uno de los más reconocidos, habiendo formado toda una generación de guitarristas que se destacan en el escenario musical brasilero e internacional, como concertistas y profesores. Impartió cursos en la Fundación de las Artes de Sao Paulo "Caetano do Sur", en el Concervatorio Musical Brooklin Paulista, Instituto Normal de Música, Facultad Mozarteum de Sao Paulo, Sao Judas Tadeu, Facultades Metropolitanas Unidas y en la Escuela Municipal de Música. Recibió el título de "Notorio Saber", por su trayectoria como solista y camerista. Fue invitado como docente a Festivales, Seminarios Internacionales en Argentina, Colombia, Bolivia y Brazil. Fue invitado como miembro de jurados en varios concursos internacionales de guitarra a nivel internacional. Ha escrito y editado varios métodos y libros sobre guitarra clásica, los mismos que son utilizados incluso en escuelas de música europeas. En 1989 tuvo la oportunidad de editar un L.P. junto al trio "Violao-Cámara-Trio" junto a Angela Muner y Jardel Costa Filho. Actualemnte se desempeña como profesor en el Curso Superior de Guitarra de la Facultad de Artes "Alcantara Machado"; en las Facultades de Música "Sao Judas Tadeu"; "Mozarteum" de Sau Paulo.

* Jimi Hendrix

James Marshall Hendrix (Seattle, Washington, 27 de noviembre de 1942 - Londres, 18 de septiembre de 1970) fue un guitarrista, cantante y compositor estadounidense. Es considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia de la música, además de ser uno de los mayores innovadores en el ámbito de la guitarra eléctrica: durante su carrera artística, tan breve como intensa, fue el precursor de muchas estructuras y del sonido de aquellas que serían las futuras evoluciones del rock (como por ejemplo el hard rock), creando una fusión inédita de blues, rhythm and blues, rock and roll y funk.
Su exhibición durante el cierre del festival de Woodstock en 1969 se transformó en un verdadero y propio símbolo: la imagen del guitarrista que con una irónica y desafiante visión del arte, toca el himno nacional estadounidense con una distorsión visiblemente provocada, y sin embargo brillante. Ésta entró prepotentemente en el imaginario colectivo musical como uno de los puntos de inflexión en la historia del rock.
Nacido en el King County Hospital de Seattle en el estado de Washington, Estados Unidos, de madre de orígenes nativo americana y padre afroamericano, con el nombre de Johny Allen Hendrix. Le cambiaron el nombre por el de James Marshall Hendrix en memoria del hermano fallecido de su padre Leon Marshall Hendrix.
El pequeño Jimi pasó sus primeros años en un barrio muy humilde y tuvo una infancia marcada por el divorcio de sus padres avenido cuando éste tenía apenas 9 años; como consecuencia, fue otorgado en tutela a su abuela paterna Nora Rose Moore, en ese entonces la única persona en grado de garantizarle un mínimo de estabilidad.
Obtuvo su primera guitarra acústica a los 14 años por cinco dólares a un conocido de su padre, reemplazando el ukelele de una sola cuerda que su padre había encontrado limpiando un garaje. Aprendió practicando constantemente, mirando cómo tocaban otros músicos más experimentados y escuchando discos. En 1958, el año en que muere su madre, su padre le compró su primera guitarra eléctrica, una Supro Ozark blanca, aunque sin amplificador, con la que tocó en varias bandas locales. Ese mismo año su única calificación baja en la escuela fue una F en clase de música. Poco interesado en la escuela, que dejaría antes de graduarse, Jimi comenzó a dedicarse tempestivamente a la música: sus puntos de referencia fueron guitarristas de la escena del blues de Chicago como Elmore James, Muddy Waters o Albert King, por no hablar de leyendas del más sobresaliente delta blues, como Robert Johnson y Leadbelly, y del rock and roll como Chuck Berry.[3]
En los inicios de la década del 60, a causa de algunos problemas con la ley, se vio obligado a elegir entre un periodo de reclusión o el alistamiento militar; elegida la segunda opción, Jimi viene alistado el 31 de mayo de 1961 en la 101st Airborne Division y enviado a Fort Campbell, en Kentucky, después de un breve adiestramiento. Su aventura en los rangos militares duró muy poco; frustrado por la rigidez del ambiente e intencionado a dedicarse a la música, Jimi decide poner punto final a su periodo bajo las armas, visitando varias veces al psicólogo del ejército declarando ser homosexual.[4] Tomando en cuenta algunas entrevistas dejadas por Hendrix a propósito, en cambio, parece que con el fin de obtener la baja adujo problemas en la espalda producto de un salto en paracaídas.
Una vez obtenida la baja, "Buster" (como le conocían muchos amigos y familiares) fijó su residencia en las cercanías de Clarksville, en Tennessee. Comenzó a actuar en público en 1962 con el grupo formado junto a su amigo Billy Cox, los King Casuals.[7] El grupo comenzó a exhibirse en locales de la zona hasta que la formación entera decidió trasladarse a Nashville. La actividad del grupo se desarrollaba esencialmente en locales de la zona de Jefferson Street, tradicionalmente considerada el corazón de la comunidad afroamericana de Nashville y conocida por la intensa escena rhythm and blues que en aquel periodo se estaba desarrollando; este ambiente propició e influenció las primeras experiencias "en vivo" de Hendrix.
Durante los tres años siguientes Jimi llevó una vida errática, formando parte en la gira del llamado Chitlin' Circuit[8] y convirtiéndose en una presencia fija mediante una interminable serie de exhibiciones, tanto de guitarrista de los King Casuals como en grupos de soporte para un gran número de músicos blues, rhythm and blues y soul como Chuck Jackson, Slim Harpo, Tommy Tucker, Sam Cooke y Jackie Wilson. El periodo transcurrido en el Chitlin' Circuit resultó fundamental para su formación musical y estilística; en este contexto Hendrix definió su actitud y consolidó su conocimiento de las raíces del blues.
Una vez terminado con lo que más tarde se reveló ser su periodo de aprendizaje, en un intento de dejar atrás el contexto de racismo y degradación que había encontrado en el sur del país norteamericano, Hendrix decide trasladarse a Nueva York. En enero de 1964, el guitarrista se muda al barrio de Harlem, donde consolidó una estrecha amistad con los gemelos Arthur y Albert Allen (hoy día más conocidos como Taharqa y Tunde-Ra Aleem).[9] La amistad con los gemelos Allen pronto resultó ser fundamental y destinada a durar en el tiempo, como demuestran algunas colaboraciones en la última parte de la carrera de Hendrix en el interior de sus grabaciones (un ejemplo puede ser considerada Freedom, en la cuál los gemelos Allen se ocuparon de los backing vocals acreditados con el nombre de Ghetto Fighters). También resultó fundamental la relación con aquella que más tarde se convertiría en su novia, Lithofayne "Fayne" Pridgeon.[5] Fayne procuró de hecho todo tipo de soporte humano y logístico a Hendrix y se reveló esencial también en su inserción en la escena local gracias a sus conocimientos del ambiente musical underground de Harlem.
Su primera oportunidad de saborear el éxito llegó en 1964, cuando Hendrix fue reclutado como guitarrista de la banda de los Isley Brothers para una gira a través de todo Estados Unidos, incluidos los locales del Chitlin' Circuit. Fue justamente durante aquel periodo cuando tuvo la ocasión de tocar en grabaciones de estudio el tema Testify, single que poco después se convertiría en un éxito radiófonico.
Entre 1964 y 1965 comenzó para Hendrix una interminable serie de idas y vueltas desde una banda a la otra: en Nashville dejó a los Isleys Brothers para sumarse como guitarrista al grupo de Gorgeous George Odell; llegado a Atlanta formó parte de los Upsetters, entonces grupo soporte de Little Richard donde también militaba el célebre baterista Earl Palmer quien se anticipó al estilo funk. No obstante Little Richard fuese por aquellos tiempos uno de los ídolos de Jimi, ambos entraron en diferentes conflictos durante el tour por las razones más disparatadas; la mayoría se debía a la escasa tolerancia del cantante hacia la teatralidad escénica de Hendrix. Por un breve periodo, Hendrix se separó del grupo de soporte de Richard para seguir en tour a Ike y Tina Turner: pero poco alcanzó, alimentada de las usuales acaloradas actuaciones del guitarrista, para inducir a los dos artístas a reenviarlo a su anterior grupo. De todos modos, la aventura con la banda a la espalda de Little Richard concluiría a los pocos meses, cuando Hendrix fue despedido por haber perdido el tour bus a Washington.
En 1965 Hendrix se unió a la banda neoyorquina Curtis Knight and the Squires, después de haber conocido a Knight en el hall de un hotel -clase media- en el cuál ambos habían encontrado hospedaje. Siguió un tour de dos meses con Joey Dee and the Starliters antes de regresar nuevamente con los Squires en Nueva York. Finalmente el 15 de octubre de 1965 Jimi obtiene un contrato discográfico de tres años de duración con Ed Chaplin, un empresario al que se comprometió a darle 1 dólar y el 1% de royalty sobre las grabaciones con Curtis Knight. No obstante 13 años más tarde la colaboración con Chaplin fue concluida, el contrato fue apelado con éxito por parte del empresario causando no pocos problemas a Hendrix hasta su resolución. Durante una breve estadía en Vancouver, parece ser que Hendrix tocó con Bobby Taylor & the Vancouvers, bajo contrato con Motown y con Taylor y Tommy Chong (de los Cheech and Chong fame). Chong, de todos modos, afirma que tal episodio nunca existió y sostiene que el hecho viene atribuido a la tendencia de Taylor a agrandar las cosas.
No obstante la inestabilidad del periodo, todas las errabundas experiencias que le vieron protagonista le sirvieron de aprendizaje, permitiéndole enriquecer ulteriormente su considerable bagaje guitarrístico.
En 1966 Hendrix formó su primer grupo bajo el nombre de Jimmy James and the Blue Flames, con una variada formación, incluidos diversos conocidos suyos reclutados en el Manny's Music Shop;[11] entre ellos un intrépido californiano de 15 años llamado Randy Wolfe. Habiendo dos Randy en el grupo, Hendrix resolvió la cuestión rebautizando Wolfe Randy California[12] a uno y al otro Randy Texas. Randy California se seria convertido más tarde en co-fundador de Spirit junto a Ed Cassidy.
Durante esas épocas comenzó a consumir marihuana y LSD, como la gran mayoría de músicos y artistas del momento.
Hendrix y su nuevo grupo llamaron fácilmente la atención de una Nueva York todavía distante de los sonidos y humores de la revolución cultural y musical que estaba por explotar sobre la costa opuesta del país. Fue durante las exhibiciones en el Cafe Wha? ubicado sobre la MacDougal Street en el Greenwich Village, que Hendrix conoció a la cantante y guitarrista Ellen McIlwaine y al guitarrista Jeff "Skunk" Baxter.[13] Fundamental, en el mismo periodo, fue el conocimiento de Frank Zappa; la leyenda quiso que fuera justamente Zappa a instruir a Hendrix sobre las prospectivas que ofrecía un efecto para guitarra de un nuevo producto destinado a ser famoso.
El 18 de septiembre de 1970, en Londres (Inglaterra), James Marshall Hendrix falleció bajo circunstancias que aún no han podido ser completamente explicadas. Esa noche estuvo hasta tarde en una fiesta y su novia, Monika Dannemann , fue a recogerle y le dejó en su apartamento en el Hotel Samarkand. Las estimaciones médicas dicen que murió al poco tiempo. La causa de la muerte fue por asfixia causada por su própio vómito, al haber mezclado pastillas para dormir con alcohol. Monika Dannemann asegura en el testimonio original que Hendrix cogió nueve pastillas que le recetaba su médico para dormir, y los médicos atestiguan que el vómito fue provocado por la ingesta excesiva de alcohol. Dannemann acusó incluso que Jimi Hendrix aún estaba vivo cuando le subieron a la ambulancia, y que fue la negligencia médica causada en la ambulancia la que provocó que se ahogase con su propio vómito. No obstante, los agentes de policías y servicios sanitarios que lo encontraron en el apartamento, declararon que encontraron el cuerpo de Hendrix sin vida, e incluso que llevaba varias horas fallecido.
Jimi Hendrix muere a los 27 años (edad a la que fallecieron también: Jim Morrison, Robert Johnson, Janis Joplin, Kurt Cobain y Brian Jones)